Hace tiempo, mucho tiempo, la estética y la ética estaban completamente armonizadas. Actualmente, algunas teorías del arte reclaman la independencia total respecto al bien y a la verdad y nos encontramos inmersos en una cultura que ha perdido, en gran parte, la capacidad de percibir la verdad, o sea, ha perdido la posibilidad de alimentar la inteligencia y la sensibilidad con un alimento de calidad.

Mucha gente joven tiene pocas oportunidades para cultivar su capacidad de conocer en el más alto nivel ya que solo son instruidos en destrezas y habilidades prácticas. Se habla mucho de la “movida” de la juventud en los largos fines de semana, se les critica el “botellón” y su actitud frívola y egoísta ante la vida.

Pero, probablemente, esos jóvenes no han tenido oportunidades para vivir momentos de gozo o de felicidad en los días laborables: ni en el colegio o en la universidad, ni en su casa, ni en su entorno social. Los jóvenes están siendo adiestrados pero no enseñados, ni persuadidos, a vivir otro modo más pleno de vida.

El mundo adulto, en su conjunto, es el responsable ya que no les muestra la belleza sino el placer físico y la manera de esforzarse lo menos posible. La auténtica experiencia estética es un elemento fundamental en la formación de las personas y esa experiencia deriva de la contemplación de la belleza en aquellas situaciones humanas en las que brillan, con intensidad, la verdad o el bien.

Actualmente, un extenso ámbito de la cultura y el arte han perdido el norte, no se sabe a dónde van. En repetidas ocasiones, parece que los artistas y creadores no se esfuerzan, ni quizá pretenden, transmitir arte y belleza sino discursos ideológicos pesimistas.

La belleza ha dejado de ser respetada y se realza el “feísmo” en el arte, en la moda, en la conducta y en el pensamiento. Lo importante ahora es la transgresión, la provocación y el impacto. Cualquiera puede ser artista con tal de que presente una obra provocadora. Todo es efímero y, muchas veces, aparece envuelto en un lenguaje de difícil comprensión, críptico, solo para “entendidos”.

Algunos críticos llegan a aplaudir lo grotesco y lo repulsivo ya que se ensalzan exposiciones con motivos tan degradantes como cadáveres humanos plastificados, figuras de niños ahorcados, exhibición de suciedad, etc. A eso se ha llegado en esta sociedad tan vacía espiritualmente, que ha perdido el sentido de la belleza, de lo armónico, de lo que eleva a la persona y la hace disfrutar como ser humano.

Miguel Ángel concebía la belleza física como un reflejo de la belleza espiritual. En palabras suyas: “La pintura excelsa… es precisamente aquella que más se aproxima e imita la obra inmortal de Dios”.

Y fue en la Capilla Sixtina, en la que Miguel Ángel dejó plasmada su genialidad de artista, donde Benedicto XVI se reunió con 250 artistas de renombre internacional el 21 de noviembre de 2009. Destaco un párrafo de su discurso:

“El momento actual está lamentablemente marcado, además de por los fenómenos negativos a nivel social y económico, también por un debilitamiento de la esperanza, por una cierta desconfianza en las relaciones humanas, de modo que crecen los signos de resignación, de agresividad, de desesperación. El mundo en el que vivimos corre el riesgo de cambiar su rostro a causa de la acción no siempre sabia del hombre, quien en lugar de cultivar su belleza, explota sin conciencia los recursos del planeta a favor de unos pocos y con frecuencia desfigura las maravillas naturales. ¿Qué es lo que puede volver a dar entusiasmo y confianza, qué puede animar al alma humana a encontrar el camino, a levantar la mirada hacia el horizonte, a soñar una vida digna de su vocación? ¿No es acaso la belleza? Sabéis bien, queridos artistas, que la experiencia de lo bello, de lo auténticamente bello, de lo que no es efímero ni superficial, no es accesorio o algo secundario en la búsqueda del sentido y de la felicidad, porque esa experiencia no aleja de la realidad, más bien lleva a afrontar de lleno la vida cotidiana para liberarla de la oscuridad y transfigurarla, para hacerla luminosa, bella”.

Creo que es evidente la necesidad de dar entrada a la belleza en la vida humana para recuperar la esperanza.

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Analisis Digital, www.analisisdigital.com

La noticia ha dado pie a un sinfín de comentarios y explicaciones. Los medios han publicado que la razón de la negativa es que McDonough es católico, con firmes creencias religiosas y tiene mujer y tres niños pequeños. Por eso se niega a interpretar este tipo de escenas.

En los medios digitales –los más dados a este tipo de debates– miles de internautas han apoyado masivamente la decisión del actor. A juzgar por los comentarios a esta noticia, abrumadoramente positivos, se deduce que la coherencia sigue siendo un valor en alza. Son mayoría las personas que alaban la decisión de McDonough y elogian que una persona sea capaz de perder un millón de dólares (que es lo que ha dejado de cobrar) por actuar en conciencia y por respeto a su mujer y a su familia.

Los que critican la decisión del actor –además de la cadena, claro– lo hacen señalando que no ha tenido los mismos inconveniente al interpretar papeles violentos.

Sexo y violencia, muy diferentes

Además del lógico sentido común –presente en muchos de los comentarios de estas webs, como el de la mujer que señalaba que, si su marido fuera actor, prefería mil veces verle disparando que en la cama con otra mujer–, en este punto, viene bien releer al crítico francés André Bazin, mentor de Truffaut y Rohmer, inspirador de la Nouvelle Vague e impulsor de la revista Cahiers du cinema. Bazin explica en su célebre libro “Qué es el cine” como la representación del sexo y la violencia son absolutamente diferentes.

Bazin afirma que la gran diferencia es que las escenas de violencia se representan mientras que las sexuales, en cierto modo, se viven. “Si se muestra en la pantalla un hombre y una mujer con un vestido y postura tales que sea inverosímil que al menos un comienzo de consumación sexual no haya acompañado a la acción, yo tendría derecho a exigir en un film policiaco que se mate verdaderamente a la víctima o al menos que se la hiera más o menos gravemente. Y esta hipótesis no tiene nada de absurdo, porque no hace mucho que el asesinato ha dejado de ser espectáculo, para los romanos, los mortales juegos de circo eran el equivalente a una orgía”.

Bazin señala como –a diferencia de otras artes representativas, como la pintura– “en el cine a la mujer incluso desnuda se la puede desear expresamente y acariciarla realmente y, sin embargo, si queremos permanecer en el nivel del arte debemos mantenernos en lo imaginario. Debemos poder considerar lo que pasa en la pantalla como un relato que no llega jamás al plano de la realidad, o en caso contrario, me hago cómplice diferido de un acto, o al menos una emoción, cuya realización exige intimidad. Lo que significa que el cine puede decir todo pero no puede mostrarlo todo. Se puede hablar de todo tipo de conductas sexuales pero con la condición de recurrir a las posibilidades de abstracción del lenguaje cinematográfico, de manera que la imagen no adquiera jamás un valor documental”.

Desde esta perspectiva, se entiende que haya directores que se nieguen a incluir escenas de sexo en sus películas y prefieran recurrir a la elipsis. El realizador finlandés Ali Kaurismäki, lo explica con elocuencia. En sus cintas, muy oscuras en ocasiones, retrata la vida de prostitutas o amantes pero nunca muestra sexo en la pantallas. “Cuando veo una película y llega la escena de sexo me siento siempre muy violento, y también el público, creo. Son situaciones privadas y me siento un voyeur. Todas esas secuencias parecen siempre la misma; pienso que en Hollywood tienen un stock al que acuden”.

Y el español Patxi Amezcua, preguntado recientemente sobre por qué en su película 25 kilates había poco sexo y palabrotas, comentaba que “no hace falta decir ‘hijo de puta’ para que se note que el personaje está enfadado… Y el sexo despista la mayor parte de las veces”.

Cuando fallan otros recursos

De hecho, las personas que ven mucho cine, por ejemplo, los críticos coinciden en señalar que, con excepciones, el exceso de sexo en una película puede obedecer a dos motivos: o es un reclamo publicitario para hablar de ella por escandalosa o es un modo de intentar salvar un mal guión.

La tesis de Bazin explica también como, al margen de otras cuestiones morales, muchos actores confiesan sentirse incómodos cuando ruedan estas escenas. Otros las ven necesarias para entrar en el mundo del cine –un peaje que hay que pagar– pero renuncian a ellas en cuanto tienen un cierto caché. Es el caso, por ejemplo, de Brad Pitt que, hace años manifestó que no volvería a salir desnudo. “No quiero sentirme avergonzado cuando mis hijos sean más grandes y vean mis películas”, señaló.

Y el espectador, ¿quiere el espectador medio ver sexo en la pantalla grande? A juzgar por los datos de taquilla parece más bien lo contrario. Entre las 10 películas más vistas en el 2009 solo una –Resacón en Las Vegas– tiene contenidos sexuales.

En definitiva, toda esta historia revela en el fondo que una de esas frases acuñadas en el mercado del cine –que el sexo vende– no es cierta y que el sexo en la pantalla tiene más inconvenientes que ventajas. Hace perder dinero a los productores y distribuidores, encasilla a los actores, incomoda al espectador, no ayuda a la creatividad de los realizadores y no convence a los críticos.

Neal Mc Dougahn, además de buen actor ha demostrado ser un tipo coherente y listo.

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Aceprensa, www.aceprensa.com.

Después de una muy exitosa gestión al frente del Duoc y recientemente premiado por ser un entusiasta defensor de la vida y de la familia, el destacado universitario ha invocado a Dios –Quien ciertamente quiere un Canal a la medida de su Evangelio– y se ha dispuesto a iniciar una tarea titánica.

Para conducir sus pasos adecuadamente, cuenta con las lúcidas orientaciones del rector Sánchez, quien ha sido claro: Canal 13 debe ser una estación con identidad católica, con un tamaño proporcionado a esa exigencia y con una salud financiera que no ponga en riesgo otros ingresos de la Universidad.

Esa triple exigencia recae, como es obvio, sobre la programación: lo que sale al aire, eso es el Canal. Pero, detrás de la parrilla, hay tres instancias de las que depende todo el empeño de restauración de Canal 13.
Por una parte, las personas. Con los actuales equipos, con los rostros de hoy, con las concepciones vitales que ellos encarnan, ¿alguien cree que se puede hacer el Canal que se necesita?

En segundo lugar, la propia Universidad. Porque resulta insólito que la mejor corporación educativa del país haya sido científica y culturalmente marginada de las pantallas de su propia estación, por razones de rating. Ya es hora de que los hombre de la PUC hablen claro por las pantallas de un retornado angelito.

Y, finalmente, los exalumnos de la Universidad que están en posiciones de poder. Y sobre todo, aquellos que figuran en los niveles en que se maneja el dinero grande: a ellos les corresponde –como se intentó ya con Fernando Coloma– que el financiamiento de una programación sana y positiva sea respaldado adecuadamente por una publicidad… sana y positiva.

Una nueva opción cultural podría así abrirse paso; para eso será clave, como bien lo ha postulado tantas veces el profesor Raúl Lecaros, que Marcelo von Chrismar cuente con la autoridad plena y con un tiempo razonable.

Guarda tiene la esperanza de que “se reconstruyan todos los edificios que constituyen testimonios únicos de nuestra historia”. Implora, como lo han hecho otras autoridades, “para que el pánico y el desconcierto no lleven a decisiones apresuradas. El descorazonamiento es natural y primero hay que dar consuelo al dolor de tantas personas y satisfacer las necesidades básicas de la población. Pero espero que luego triunfe la cordura sobre el pánico y la irreflexión. Yo tengo la esperanza de que sea así. Desde el año 85 hasta hoy ha habido un aumento de la conciencia patrimonial. A nadie ya se le ocurre pensar en botar la Biblioteca Nacional u otro edificio porque está dañado o tiene grietas. Antes eso ocurría”.

Las penas más grandes

-De todo el patrimonio que está en el suelo, ¿qué le duele especialmente?

“Me duelen mucho las capillas rurales. Es una especialidad cultural de la zona central y se trata de patrimonios únicos: una expresión artística de influencia jesuita, pero digerida por el pueblo. Ahí se bautizaron, se casaron, se les hicieron los funerales a tantos chilenos de otros siglos. Son el punto de referencia de muchos pueblos rurales y han sido el escenario de los hitos en la vida de las personas de la zona. Eso conlleva un valor que hay que salvar como sea”.

“Se trata de capillas que tienen una modulación, una estructura simple de una o tres naves, una arquitectura cuya grandeza reside en su humildad y sencillez. La nobleza que tuvieron tantos chilenos y todos esos viejos párrocos rurales para cuidarlas y preservarlas, a pesar de todos los embates, merece respeto”.

-¿En este universo, lamenta la caída de algún templo en especial?

“Muchos, sería una lista larga de enumerar. Ahora, si tuviese que mencionar uno, citaría el templo de la Compañía de Graneros, la iglesia de la hacienda de la Compañía de Jesús. Una iglesia de gran importancia histórica, que tenía un retablo valiosísimo. A pesar de la destrucción, todo se puede recrear, partiendo de una punta que se rescate entre las ruinas. La mayoría de estas iglesias, además, están documentadas. También me preocupa el conjunto de Quinta de Tilcoco, que era una especie de ‘Escorial’ de la arquitectura chilena”.

La mentalidad del galpón

-Dado nuestro carácter de país tan sísmico, cuyos temblores se empinan a los 9 grados, ¿no es más sano asumir que nuestro patrimonio histórico-arquitectónico es casi inexistente?

“Cada uno tiene lo que tiene. No podemos compararnos con Perú y Perú no puede compararse con España. Pero es lo nuestro, lo propio. Estados Unidos tiene poco patrimonio histórico, pero ¡cómo lo cuida! Saben que es valioso. El Huique, por ejemplo, es un testimonio único de toda una forma de vida. Restaurarlo es una máxima exigencia desde el plano museológico”.

-¿Y cómo proceder ahora? Muchos sienten que ya no tienen fuerzas para reconstruir lo que ya se ha caído otras veces.

“En mi opinión, hay que tratarde reconstruirlo todo. Los obispos deben rendir cuentas sobre la memoria de la fe. La Santa Sede tiene una ‘inquiridium’ que reúne una serie de documentos sobre la conservación del patrimonio, algunos tratan específicamente el caso de América Latina. Fue una gran preocupación de Juan Pablo II”.

-¿Cree que a veces este patrimonio religioso no ha recibido la atención que requería?

“Como en todas partes, a veces falta cultura en nuestro mundo eclesiástico. Pero también hay casos notables. El obispo Donoso, de La Serena, ha ido, con mucha calma, recuperando todos los templos dañados por el terremoto que hubo en su zona hace algunos años. Para eso, ha gestionado el apoyo de Centro Nacional de Conservación y Restauración de la Dibam. También los obispos de Copiapó, Rancagua, Valdivia y Chiloé, por nombrar sólo algunos, han tenido gran preocupación por el tema”.

“Tras este terremoto no puede pasar, como ha ocurrido en Chile, que lo provisorio se transforme en permanente y que los galpones terminen convertidos en iglesias definitivas. Y ojalá que nunca más ocurran casos como los de las catedrales de Ancud y Concepción. Se decidió botarlas con premura y luego tuvieron que dinamitarlas durante días, porque no cedían”.

Los controvertidos materiales

-¿Cómo reconstruir, entonces? ¿A qué materiales recurrir?

“La receta es hacer las cosas bien hechas, en los materiales propios y que correspondan, utilizando los conocimientos de hoy. Hoy tenemos construcciones nuevas, de concreto, que están hechas pedazos. En cuanto a materiales, en mi opinión, el adobe sirve. El monasterio de las monjas benedictinas de Rengo o ‘casas de Mendoza’ soportó el terremoto de muy buena forma. Su torreón es de 1682 y su iglesia es de 1770. Eso sí, contó con una restauración cuidadosa. Porque toda construcción necesita un cuidado. El que se hayan caído construcciones totalmente abandonadas no puede extrañar a nadie”.

“El adobe no puede tener filtraciones, porque lo humedecen y socavan. Es usual que le agregan un baño nuevo al lado de la muralla de adobe y eso es fatal. Algunas estructuras de madera, como las escalerillas, ayudan y trabajan bien con el adobe. Pero el trabajo de calidad con el adobe en Chile ha estado muy abandonado, incluso sé de personas que han debido recurrir a adoberos peruanos”.

-Pero a veces, incluso con restauraciones, el adobe cayó.

“Es cierto, pero a veces las restauraciones comprenden pinturas y ornamentación, pero no se revisa el esqueleto general”.

“Construcciones históricas de ladrillo bien mantenidas –ojalá bien amarradas con cemento– también resistieron en buenas condiciones. La Catedral, el Palacio Arzobispal, el actual Museo Histórico, la Municipalidad de Santiago”. Algunas tienen daños, pero son menores y esperables en un terremoto de tal intensidad.

-La iglesia de la Divina Providencia también sufrió.

“Tiene algunos daños en la torre, pero su nuevo párroco, Patricio Sagredo, es amante del patrimonio y de seguro va a hacer una gran labor. Es increíble pensar que el 1985 algunos pensaron en demoler esta iglesia, un hito geográfico de Providencia y la memoria de una gran obra social. Merece ser respetada, está en el imaginario colectivo, como tantos otros lugares dañados. Yo soy muy optimista, la voluntad va a aparecer de entre los escombros”.

¿Cómo abordar los daños patrimoniales?

“Guardar con prontitud todos los objetos con riesgo de ser robados. También albergar en cajas, debidamente identificadas, las imágenes religiosas que se encuentren en las construcciones derruidas, aunque estén partidas en mil pedazos”, es uno de los consejos del padre Guarda. El equipo de la Comisión Nacional para los Bienes Culturales de la Iglesia, formula otras sugerencias para el rescate de iglesias y edificios patrimoniales.

• Para evitar mayores daños por las lluvias, cubrir los sectores dañados con materiales aislantes provisorios como láminas de plástico grueso sobre techos. Para apuntalar muros en peligro, utilizar contrafuertes de madera.

• Recopilar todos los antecedentes del edificio, como planos, dibujos y otros documentos. Fotografiar cada detalle y objetos dañados.

• Contactar maestros y profesionales que manejen el tema del patrimonio o que tengan experiencia en edificios antiguos.

Nota: Esta entrevista fue realizada por Elena Iarrázabal S. Y publicada originalmente por El Mercurio.

Algunos de los artistas que se encontraron con Benedicto XVI eran españoles, como el tenor Plácido Domingo, el arquitecto Santiago Calatrava, el escultor Venancio Blanco o el pintor José Cosme. Estaban también el actor mexicano asentado en Los Ángeles Eduardo Verástegui; el estadounidense Bill Viola, considerado padre del videoarte; la escritora italiana Susanna Tamaro; el cantante Andrea Bocelli; el compositor Ennio Morricone…

La belleza, camino a Dios

Benedicto XVI acogió a sus huéspedes –algunos no eran católicos, ni siquiera cristianos– con un discurso en el que se adentró en el sentido de la auténtica belleza, que presentó como camino para llegar a Dios. «Con demasiada frecuencia –dijo–, sin embargo, la belleza de la que se hace propaganda es ilusoria y falaz, superficial y cegadora hasta el aturdimiento y, en lugar de sacar a los hombres de sí y abrirles horizontes de verdadera libertad, empujándolos hacia lo alto, los encarcela en sí mismos y los hace ser todavía más esclavos, quitándoles la esperanza y la alegría. Se trata de una belleza seductora, pero hipócrita, que estimula el apetito, la voluntad de poder, de poseer, de prepotencia sobre el otro, y que se transforma, rápidamente, en lo contrario, asumiendo los rostros de la obscenidad, de la transgresión o de la provocación en sí misma».

La auténtica belleza, por el contrario, según el Papa, «abre el corazón humano a la nostalgia, al deseo profundo de conocer, de amar, de salir hacia el otro, hacia más allá de sí mismo. Si aceptamos que la belleza nos toque íntimamente, nos hiera, nos abra los ojos, entonces redescubrimos la alegría de la visión, de la capacidad de comprender el sentido profundo de nuestro existir, el misterio del cual somos parte y del cual podemos obtener la plenitud, la felicidad, la pasión del compromiso cotidiano».

Según el Santo Padre, «la belleza, desde la que se manifiesta en el cosmos y en la naturaleza hasta la que se expresa a través de las creaciones artísticas, a causa de su característica de abrir y ampliar los horizontes de la conciencia humana, de llevarla más allá de sí misma, de asomarla al abismo de lo infinito, puede convertirse en un camino hacia lo trascendente, hacia el misterio último, hacia Dios». Por este motivo, consideró, sorprendiendo a muchos de los presentes, «el arte, en todas sus expresiones, en el momento en el que se confronta con las grandes interrogantes de la existencia, con los temas fundamentales de los cuales deriva el sentido de vivir, puede asumir una validez religiosa y transformarse en un recorrido de profunda reflexión interior y de espiritualidad».

Llegó así a proponer ese «camino de la belleza» que nos conduce «a tomar el Todo en el fragmento, el Infinito en lo finito, Dios en la historia de la Humanidad». Y citó a Simone Weil, cuando escribía: «En todo aquello que suscita en nosotros el sentimiento puro y auténtico de lo bello, está realmente la presencia de Dios».

La Iglesia necesita a los artistas

Tras haber mostrado la necesidad que tiene de Dios el artista, el discurso del Papa evolucionó hasta constatar la necesidad que tiene la Iglesia de los artistas: «Para transmitir el mensaje que Cristo le ha confiado, la Iglesia tiene necesidad del arte», dijo.

El encuentro concluyó con un «amigable y apasionado llamamiento», como el mismo Pontífice lo definió: «Sois los custodios de la belleza, tenéis, gracias a vuestro talento, la posibilidad de hablar al corazón de la Humanidad, de tocar la sensibilidad individual y colectiva, de suscitar sueños y esperanzas, de ampliar los horizontes del conocimiento y del compromiso humano».

Un divorcio arte-Iglesia

El encuentro, posible gracias a los esfuerzos del arzobispo italiano Gianfranco Ravasi, Presidente del Consejo Pontificio de la Cultura y de la Comisión Pontificia para los Bienes Culturales de la Iglesia, tenía por objetivo recordar los diez años de la Carta que Juan Pablo II escribió a los artistas, así como los 45 años del primer encuentro de estas características, que convocó el Papa Pablo VI, el 7 de mayo de 1964, en ese mismo lugar. Aquel Papa, al igual que Joseph Ratzinger, sintió en su propia piel el drama que, sobre todo en el siglo XX, se verificó con el paulatino alejamiento de los grandes exponentes del mundo artístico de la Iglesia. Un divorcio entre arte y fe por el que la evangelización ha pagado un precio elevadísimo.

Restablecer la amistad

Como el mismo Benedicto XVI constató, las palabras que pronunció en aquella circunstancia resuenan todavía hoy bajo la bóveda de esta Capilla Sixtina: «Nosotros os necesitamos –reconoció entonces el Papa Giovanni Battista Montini–. Nuestro ministerio necesita vuestra colaboración. Porque, como sabéis, nuestro ministerio consiste en predicar y hacer accesible y comprensible, es más, conmovedor, el mundo del espíritu, de lo invisible, de lo inefable, de Dios. Y en esta misión… vosotros sois maestros. Es vuestro oficio, vuestra misión; y vuestro arte consiste en aferrar del cielo del espíritu sus tesoros y revestirlos de palabra, de colores, de formas, de accesibilidad».

El Papa continuó citando el histórico discurso de su predecesor: «Y si nos faltara vuestra ayuda, nuestro ministerio se haría balbuciente e incierto, y tendría necesidad de hacer un esfuerzo, diríamos, para ser artístico en sí mismo, es más, convertirse en profético. Para alcanzar la fuerza de la expresión lírica de la belleza intuitiva, necesitaría hacer coincidir el sacerdocio con el arte».

Benedicto XVI asumió, por tanto, el compromiso de «restablecer la amistad entre la Iglesia y los artistas», y les pidió hacer lo propio y compartirlo, «analizando con seriedad y objetividad los motivos que habían turbado esa relación, asumiéndose, cada quien con valentía y pasión, la responsabilidad de un renovado y profundo itinerario de conocimiento y de diálogo, de cara a un auténtico ‘renacimiento’ del arte en el contexto de un nuevo humanismo».

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Alfa y Omega, www.alfayomega.es.

Es curioso que los artistas rechacen a la derecha y, en general, al capitalismo burgués, cuando es precisamente en la democracia liberal donde se les hace más caso, se les considera su prestigio y, además, donde tienen el ambiente de tolerancia y libertad necesario para la creación. Algunos clásicos del pensamiento político han tratado de dilucidar esta cuestión, no del todo baladí. Cito algunos ejemplos.

El clásico Raymond Aron escribió “El opio del los intelectuales” en plena resaca de la guerra mundial (1955), tratando de dar explicación a la tendencia irresistible de la inteligencia occidental por el marxismo, de la que él tenía tan ilustres ejemplos en sus contemporáneos (Sartre, como modelo). ¿Cómo Sartre, Althusser y compañía podían ser ciegos a la terrible evidencia del totalitarismo soviético y su política expansionista? Sin duda ceguera tal era, para Aron, lo más parecido a una alucinación (el opio). Para Hayek la izquierda (el socialismo) intenta plasmar un esquema ideal en la sociedad; una idea que responde a una concepción previa de la justicia y la distribución de riqueza. La derecha se confía más en la espontaneidad social; recela de las recetas previas. Los intelectuales, cuya materia prima son las ideas, se sienten más a gusto en la planificación ideal de la izquierda que en la espontaneidad social de la derecha. El americano Robert Nozick en su ensayo “¿Por qué los intelectuales se oponen al capitalismo?” estudia este inquietante tema y llega, entre otras, a esta conclusión: los artistas son especialmente sensibles a que los demás les reconozcan sus méritos. La sociedad liberal no premia a cada cual “según su valía”, sino con un criterio de oferta y demanda que, a los artistas, les parece escandalosamente injusto. Esto es, hay un fondo de resentimiento que es la conciencia de una superioridad no reconocida.

Dicho en un tono menos académico que el de estos grandes maestros: los artistas e intelectuales tienen en el mundo burgués-liberal (y, en última instancia en sus raíces ideológicas que son las liberal-conservadoras) su medio más favorable; su rebeldía es la de un niño mimado contra el padre protector.

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Minuto Digital, www.minutodigital.com

Rey y cristiano ejemplar, el “San Luis” de El Greco representa el encuentro –ora feliz, ora sufriente– entre la “civitas” y la “ecclesia”, entre el poder y la gracia.

Y precisamente es el título de la muestra inaugurada el 7 de octubre en el Palacio Venecia por el jefe del gobierno italiano y por el secretario de Estado vaticano: “El poder y la gracia. Los santos patronos de Europa”.

El presidente Silvio Berlusconi le habló de ello a Benedicto XVI en la audiencia que tuvo en junio del 2008. Al Papa la idea le gustó. La iniciativa volvió a quien la había ideado y hoy es una realidad.

Quien ideó la muestra es un joven sacerdote de un pequeño pueblo de trescientas almas, Illegio, sobre los Alpes de Carnia. Su nombre es Alessio Geretti. La muestra sobre los santos patronos de Europa es su última creación, que sigue a otras muestras inventadas por él con temas como el Apocalipsis, el Génesis, los Apócrifos, sorprendentes por el valor de las obras de arte expuestas y por la riqueza del mensaje que trasmiten.

En este caso, volver a proponer los santos patronos de las naciones de Europa interpretados por sus más grandes artistas no sólo es ofrecer una “visión” de lo que Europa ha sido en dos mil años de historia profundamente marcados por la fe cristiana.

Es también un mensaje lanzado a Europa contemporánea que olvida sus propias raíces y se resiste a las religiones. Dice don Alessio Geretti:

“En la Europa de los pluralismos y de las democracias, la santidad es la forma más convincente que puede asumir una religión. Las vidas de los santos se imponen sin oprimir. Creo de verdad que en esta época –que como decía Pablo VI no tiene necesidad de maestros sino más bien de testimonios– los santos son todavía el rostro de una Iglesia que tiene la capacidad de hablar al corazón de la gente y de poner en crisis una cultura dominante, desenmascarando en ella toda deshumanidad”.

Pero el mensaje de la muestra se dirige también a la Iglesia. “Una Iglesia –escribe el padre Geretti en el hermoso catálogo editado por Skira– cuya renovación postconciliar ha estado caracterizada por un malentendido celo iconoclasta, que vació muchas iglesias, mucha catequesis y prédica, y algunos espacios del calendario de aquellas referencias a los santos y a las imágenes sagradas que por siglos habían nutrido la experiencia de fe del pueblo cristiano”.

Con el pontificado de Juan Pablo II esta tendencia a “purificar” el catolicismo del culto de los santos tuvo un decisivo giro. Fueron más los santos y los beatos que elevó a los altares que todos los canonizados y beatificados por todos los Papas que lo antecedieron, desde el Concilio de Trento en adelante. ¡Y cuantos santos! Dos nombres sobre todos: Padre Pío de Pietrelcina y Madre Teresa de Calcuta.

Con Benedicto XVI la relevancia dada a los santos no es menor. En la congregación vaticana que se ocupa de esta materia están en curso más de 2000 causas de beatificación o canonización.

El último viaje del Papa Joseph Ratzinger fuera de Italia terminó el 28 de setiembre en Stará Boleslav, en el día y en el lugar del martirio de san Wenceslao, el santo patrono de la nación checa. Una nación en la que la descristianización de Europa está en el estado más avanzado, con dos tercios de la población que ya no se reconoce de ningún credo religioso.

En este mismo espíritu Benedicto XVI ha impostado sus catequesis de los miércoles: explicando a las multitudes el “quién es” de la Iglesia a través del perfil de sus santos. Comenzó con los apóstoles. Continuó con los Padres de occidente y de oriente. Y ahora se está dedicando a los grandes maestros de la teología medieval.

Notas:
Este artículo fue publicado originalmente por Chiesa, www.chiesa.espresso.repubblica.it. La traducción al castellano es de Juan Diego Muro.
El sitio oficial de la exposición es http://www.beniculturali.it/mibac/export/MiBAC/sito-MiBAC/Contenuti/Eventi/EventiInEvidenza/InItalia/visualizza_asset.html_371291959.html.

El contexto histórico son unos hechos luctuosos perpetrados por cristianos y paganos exaltados entre los siglos IV y V en Alejandría. El clímax de aquellos disturbios fue la muerte de la filósofa pagana Hipatia, que en 415 fue atrozmente asesinada, tras haber sufrido graves injurias. Aquellos hechos reprobables se sitúan, por tanto, en el contexto de la confrontación de dos cosmovisiones, la pagana y la cristiana, y es ahí precisamente donde Amenábar quiere aprovechar para proponer su propia filosofía de la Historia: si el paganismo fue luz, el cristianismo es oscuridad; si el paganismo fue progreso, el cristianismo fue retroceso.

Amenábar viene a decir que la difusión de la fe cristiana supuso una marcha atrás en la cultura, en la civilización, en la filosofía y en la ciencia. Lo cual es en realidad un juicio sobre la Iglesia actual, la del siglo XXI. Desmentir esa afirmación precisaría de una biblioteca como la de Alejandría, para documentar someramente lo que el cristianismo ha aportado al progreso de la cultura, del arte, de la ciencia, del Derecho, de la filosofía, de la política, de las relaciones internacionales…

Más importante en Ágora es el conflicto soterrado –¿incompatibilidad?– que plantea entre razón y fe. No es éste el lugar para desarrollar por qué la fe es la amiga más fiel de la razón y le da cumplimiento; pero lo que Amenábar llama fe no es más que una superstición visionaria que nada tiene que ver con el cristianismo. En este sentido, el magnífico homenaje que el film brinda a la ciencia antigua es un homenaje a la razón que cualquier espectador cristiano disfrutará como propio.

Ágora es solemne, con una dirección artística minuciosa, y con mucho cine dentro. Por ello es muy fastidioso ver cómo el guión, muy lastrado por tópicos, prejuicios y esquemas ideológicos, va estropeando la película a medida que avanza. Un excelente envoltorio para un producto que salió de fábrica caducado. La película más elegante del laicismo imperante.

Ernst Jünger, uno de los grandes escritores en lengua alemana del siglo XX, siempre fue un árbol sacudido por el viento; la incomodidad de sus permanentes cuestionamientos vitales le condujeron, al final de sus días, a la Iglesia católica. En su adolescencia, quedó marcado por las lecturas de Darwin, en las que descubrió que el hombre no es más que un pez gordo, evolucionado, eso sí, caprichoso y grandullón, pero solitario, sin un cielo ni una relación sobrenatural contra la que apoyarse. Llamó a su posición nihilismo heroico. Después de la Segunda Guerra Mundial, se dedicó a devorar ávidamente la Biblia, sin rigor pero con apasionamiento; en sus diarios relata la salida de aquel abismo negro en el que se había sumido: «Mi interés teológico pasa por el conocimiento. Debo probar la existencia de Dios para poder creer en Él. Para volver a Él, he de recorrer vuelta atrás el mismo camino por el que lo perdí». En 1999, un año después de su muerte, dos periodistas alemanes escribieron un artículo en el periódico Welt amm Sonntag, en el que desvelaban el misterio del cambio en Jünger, su itinerario interior: «Mostró siempre respeto por lo religioso, aunque guardaba distancias con las Iglesias. Sin embargo, según muestran sus diarios, en los últimos años de su vida buscó una puerta de entrada en la catedral del catolicismo. La lectura de las obras del escritor católico Léon Bloy (1846-1917), vista con los ojos del presente, fue seguramente una preparación para el acto final de la conversión. A Jünger le fascinaban sobremanera sus cruzadas contra la tibieza religiosa y su deseo total de salvación». Y, no podía ser de otra manera, hubo un sacerdote al final de sus días con el que mantenía asiduas conversaciones. Ambos conectaron en seguida, entre ellos fluía la complicidad espiritual que el escritor siempre había deseado. La existencia de un Dios personal ocupaba el lugar central de las conversaciones. En su libro de memorias ya habla de la necesidad de un auténtico mediador en la vida. A su abuelo dedica la novela Venganza tardía, un homenaje al maestro vocacional, desestimando esa pedagogía negra de los profesores sin pasión por la búsqueda de la verdad. El primer mediador fue un profesor enamorado de las plantas que llevó a los alumnos al patio de la escuela: «Nos enseñó las flores que allí crecían: el llantén, el diente de león, la ortiga amarilla, la eufrasia. Era un mediador. Hace mucho tiempo que he olvidado su nombre, el de las flores no».

El padre Kubovec, que así se llamaba el sacerdote de la penúltima hora en la vida de Jünger, estudiaba la historia del Camino de Santiago y le regaló una bendición papal con motivo de su 95 cumpleaños. Según el sacerdote, «cantar una vez es mejor que rezar tres», cosa que gustó mucho a Jünger, ya que desde su niñez siempre había conservado en su memoria el recuerdo del canto litúrgico como símbolo confiado del trato personal con Dios. Por eso, en una de sus mejores novelas, Sobre los acantilados de mármol, recurre al canto litúrgico como signo de la esperanza en una nueva Humanidad. La novela es una alegoría contra el nazismo; propone que sólo la fe religiosa puede deshacer el nudo de perpetuidades de las tiranías. El protagonista es un monje cristiano que porta un anillo con una inscripción: Mi paciencia tiene una causa. En aquella novela, publicada en 1939, ya se perciben los brotes de su conversión: «Nos vamos acercando al misterio escondido en el polvo. Cualquiera que sea el lugar donde nos encontremos, allí está el anillo puro que nos desposa con la Eternidad». El párroco de Wilflingen, Roland Niebel, el último mediador en el largo camino hacia la conversión de Jünger, escribió que el escritor llevó a cabo su conversión «de una manera totalmente consciente, por convencimiento e iniciativa propia». El acto de la conversión tuvo lugar, según el párroco, en la Misa de mediodía en el último banco del coro de la Iglesia de Sankt Nepomuk. «Allí pronunció el Credo católico».

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Alfa y Omega, www.alfayomega.es.

Este apunte de actualidad lleva a recordar y deplorar la tan frecuente manipulación de la historia. De forma bastante directa tiene relación con un film que se proyectará próximamente en Barcelona sobre un acontecimiento especialmente criminal de la Segunda Guerra Mundial, el de las fosas de Katyn, de las que fueron protagonistas polacos y rusos.

El próximo día 16 de septiembre, en la Universidad Abat Oliba CEU, se celebrará un acto co-organizado por la Universidad, el consulado polaco y la Associació CinemaNet con la proyección de la película Katyn. Irá acompañada de las explicaciones y análisis del cónsul de Polonia en Barcelona, Marek Pernal, el vicerrector de alumnos de la UAO, Marcin Kazmierczak, y el que suscribe este artículo como profesor de la Universidad y director de CinemaNet, Daniel Arasa.

Aunque están invitados cuantos deseen asistir por ser un acto abierto y gratuito, el objetivo básico de publicar este artículo en ForumLibertas.com no es el anunciarlo. El núcleo va más al fondo que dar a conocer una actividad puntual, por muy interesante que sea. Se trata de cuestionarse por qué en España por el momento no se ha difundido aquella película a pesar de que fue terminada hace tres años y es obra de Wajda, uno de los más destacados cineastas polacos. O por qué casi nadie en España sabe lo que fue Katyn mientras ha visto repetidamente en televisión y en otros medios de comunicación reportajes de muchas masacres de la Segunda Guerra Mundial. El acto anunciado viene a llenar un vacío.

Los hechos de Katyn

En abril de 1943 desde Berlín se lanzó al mundo la noticia de que las tropas alemanas habían descubierto en los bosques de Katyn, en la URSS, unas fosas con los restos de miles y miles de oficiales polacos que habían sido asesinados por los soviéticos en la primavera de 1940. Habían caído prisioneros en septiembre del año anterior cuando la URSS invadió la parte oriental de Polonia.

Katyn significó, más allá de la propia tragedia de la masacre, una gran maniobra política. Toda la propaganda alemana se volcó en el intento de enfrentar a los ingleses y americanos con los soviéticos. Goebbels y el ministro de Asuntos Exteriores Ribbentrop trataron de clavar una cuña que rompiera la alianza entre sus adversarios. Por su lado, Stalin y los suyos maniobraron y culparon a los nazis de tales asesinatos. Finalmente, Churchill y Roosevelt echaron tierra encima y olvidaron el hecho. No les interesaba.

Finalizada la Guerra Mundial persistió durante décadas la versión soviética, hasta el punto que los verdaderos verdugos rindieron homenajes a las víctimas, siempre imputando a los alemanes la autoría de la masacre. No sería hasta la llegada al poder de Gorbachov, y luego de Yelsin, que se reconocería que fueron los soviéticos los culpables del masivo asesinato.

Diferentes varas de medir

Wajda, el director de la película, era hijo de uno de los asesinados en Katyn. Durante muchos años guardó silencio aun teniendo en el corazón la idea de dedicar un film a la masacre. Ya en el ocaso de su vida quiso hacerla. Era un homenaje a su propio padre y a todos los que como él murieron.

Desde el punto artístico y técnico cinematográfico es muy buena película. Como documento histórico, muy válida. Como medio de difusión de un atropello a la dignidad de la persona, extraordinaria. Su director es muy prestigioso y conocido. Entonces ¿cómo es posible que en España no se haya proyectado y también que haya sido mínima su difusión en otros países europeos?

Planteemos la cuestión desde otra óptica. Si los autores de los asesinatos hubieran sido los nazis, que tantos crímenes cometieron, ¿se habría difundido? No ofrece dudas. Basta observar lo ocurrido con sus masacres o atropellos: amplia proyección en los cines, información y comentarios generalizados en la prensa, televisiones que dan avances, autoridades en las premières, cadenas de televisión que las emiten una y otra vez cuando ha pasado el período de explotación inicial, etcétera.

Cuando los culpables son Stalin y los suyos, silencio absoluto. No sólo por parte de algunos medios, o de alguna red de cines, que sería comprensible, sino de manera generalizada. La indulgencia con el comunismo y sus líderes es prácticamente total. En España y en algunos otros países. El caso de Katyn es uno más, porque las víctimas mortales de los Estados comunistas fueron decenas de millones y cientos de millones más vivieron oprimidos durante muchas décadas.

No es una cuestión planteable sólo desde una óptica política, sino de concepción antropológica. Y también de las estructuras de la información y de los medios de difusión cultural. ¿Quién controla en España gran parte de los medios de producción y difusión de la cultura? Y, en concreto por el caso que nos ocupa, el mundo del cine. El audiovisual tiene una influencia decisiva en la mentalidad, principios y formas de actuar de las personas.

Conseguir un cine y una información que no estén adulterados en sus fuentes es clave para mejorar la sociedad. Vemos lo poco que da de sí en positivo el cine español actual. El ejemplo de Katyn evidencia, además, como se realiza el filtraje del que llega de fuera, quizás con excepción del cine norteamericano porque son ellos quienes imponen condiciones.

A raíz de lo anterior, surge otra cuestión: ¿Qué hacen las personas impregnadas del humanismo cristiano para estar tan ausentes del mundo cultural, y específicamente, del cinematográfico?

Nota: Este artículo fue publicado originalmente por Forum Libertas, www.forumlibertas.com.